9 meesterwerke van briljante kunstenaars wat groot modeontwerpers geïnspireer het en unieke versamelings geskep het

2024 Outeur: Richard Flannagan | [email protected]. Laas verander: 2023-12-15 23:56

Deur die geskiedenis heen het mode en kuns hand aan hand gegaan om 'n wonderlike kombinasie te skep. Baie modeontwerpers het idees uit artistieke bewegings vir hul versamelings geleen, wat mode moontlik gemaak het om as 'n kunsvorm geïnterpreteer te word wat hoofsaaklik dien om idees en visies uit te druk. Onder invloed hiervan het sommige internasionaal bekende modeontwerpers uitstekende versamelings geskep wat gebaseer is op die artistieke bewegings van die 20ste eeu.

1. Madeleine Vionne

Madame Madeleine Vionne, wat in 1876 in Noord-Sentraal-Frankryk gebore is, was bekend as "die godin van styl en koningin van kleermakery." Tydens haar verblyf in Rome was sy gefassineer deur die kuns en kultuur van die Griekse en Romeinse beskawings, en is geïnspireer deur antieke godinne en standbeelde. Op grond van hierdie kunswerke, vorm sy die estetika van haar styl en kombineer elemente van Griekse beeldhoukuns en argitektuur om 'n nuwe dimensie aan die vroulike liggaam te gee. Met haar vaardigheid in drapering en skuins rokke, het Madeleine 'n omwenteling in die moderne mode gemaak. Sy het gereeld kunswerke soos The Winged Victory of Samothrace geraadpleeg vir haar kunsversamelings.

Die ooreenkomste tussen die meesterstuk van die Hellenistiese kuns en die muise van Vionne is opvallend. Diepe drapering van die stof in die styl van die Griekse chiton skep vertikale strepe lig wat oor die figuur vloei. Die beeld is gemaak ter ere van Nike, die Griekse godin van oorwinning, en word bewonder vir sy realistiese uitbeelding van beweging. Die vloeiende omhulsel van die Vionnet -ontwerp herinner aan die beweging van golwende materiaal wat aan Nike se liggaam kleef. Rokke kan wees soos lewende wesens met 'n siel, soos 'n liggaam. Net soos die gevleugelde oorwinning van Samothrace, het Madeleine rokke geskep wat die menslike wese wat diep binne -in hulle is, wakker maak. Klassisisme, beide 'n estetiese filosofie en 'n ontwerpfilosofie, het Vionne die geleentheid gebied om haar visie in geometriese harmonie oor te dra.

Sy was ook gefassineer deur kontemporêre kunsbewegings soos kubisme. Madeleine het geometriese vorms begin inkorporeer in haar skeppings en het 'n ander metode gebruik om dit te sny, genaamd skuinste sny. Natuurlik het Vionne nooit beweer dat hy die skuins snit uitgevind het nie, maar slegs die gebruik daarvan uitgebrei. Aangesien vroue vroeg in die twintigste eeu groot vordering gemaak het in die stryd om hul regte, het Madeleine hul vryheid verdedig deur die langdurige Victoriaanse korset van die alledaagse drag van vroue af te skaf. Daarom het sy 'n simbool geword van die bevryding van vroue uit die beperking van die borskas, en het sy eerder nuwe, ligter weefsels vrygestel wat letterlik op die vroulike liggame gevloei het.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli is die hoofontwerper van Valentino en is baie aangetrokke tot die godsdienstige werke van die Middeleeue. Die inspirasiepunt vir hom is die oorgangsmoment van die Middeleeue na die Noordelike Renaissance. Hy werk saam met Zandra Rhodes en saam ontwikkel hulle 'n inspirerende versameling in die lente van 2017. Piccioli wou die punk -kultuur van die laat 70's verbind met humanisme en middeleeuse kuns, en daarom keer hy terug na sy wortels en die Renaissance en vind inspirasie in Hieronymus Bosch se skildery The Garden of Earthly Delights.

Die beroemde Nederlandse skilder was een van die prominentste verteenwoordigers van die Noordelike Renaissance in die 16de eeu. In die 'Garden of Earthly Delights', wat Bosch voor die Hervorming geskilder het, wou die kunstenaar die paradys en die skepping van die mensdom, die eerste versoeking van Adam en Eva, sowel as die hel, uitbeeld, in afwagting van sondaars. In die middelste ruit lyk dit asof mense hul eetlus bevredig in 'n wêreld van plesier. Die ikonografie van Bosch val op deur sy oorspronklikheid en sensualiteit. Die hele prentjie word geïnterpreteer as 'n allegorie van sonde.

In die modewêreld het die skildery gewild geword, aangesien verskillende modeontwerpers gefassineer was deur die motiewe daarvan. Deur tydperke en estetika te kombineer, herinterpreteer Piccioli die simbole van Bosch met vlieënde deursigtige rokke, terwyl Rhodes romantiese afdrukke en geborduurde patrone skep wat effens ooreenstem met die oorspronklike kunswerk. Kleure was beslis deel van die boodskap wat die ontwerpers wou oordra. Die versameling vlieënde dromerige rokke is dus gebaseer op die noordelike kleurpalet van appelgroen, ligpienk en blou robin -eiers.

3. Dolce en Gabbana

Peter Paul Rubens het vroue meesterlik met liefde, leer en ywer geskilder. Hy het sy "Venus voor die spieël" voorgehou as die hoogste simbool van skoonheid. Peter beeld uitsluitlik haar ligte gesig en blonde hare uit, wat in kontras is met die donkerkleurige bediende. Die spieël is 'n absolute simbool van skoonheid, wat 'n vrou soos 'n portret omraam, en terselfdertyd subtiel die naaktheid van die figuur beklemtoon. Die spieël wat Cupido vir die godin hou, toon die weerkaatsing van Venus as 'n voorstelling van erotiese aantrekkingskrag en begeerte. Rubens, wat een van die stigters van die barokkuns was, en sy konsep van 'kleure oor strepe' het verskeie modeontwerpers beïnvloed, waaronder Dolce & Gabbana. Die barokstyl het afgewyk van die gees van die Renaissance, die rustigheid en gladheid laat vaar en eerder elegansie, opwinding en beweging gesoek.

Modeontwerpers Domenico Dolce en Stefano Gabbana wou 'n veldtog skep wat die sensuele sowel as die romantiese kant van vroulike skoonheid sou vier. Peter Paul Rubens was die mees geskikte bron van inspirasie. Die skeppings van die kultusduo was in groot harmonie met die kuns van die Vlaamse kunstenaar. In hierdie versameling poseer modelle met groot adel en lyk asof hulle net een van Rubens se skilderye afgestap het. Die versierings is ontwerp om soos barokspieëls en borduurdetails te lyk. Die sierlikheid van die figure en die pastelkleurpalet is pragtig beklemtoon deur die pienk rok van brokaat. Die keuse van modeontwerpers om 'n verskeidenheid modelle in te sluit, het verder bygedra tot die liggaamstipe van daardie era. Die krom lyne wat Dolce en Gabbana gebruik het, is in stryd met die diskriminasie van verskillende liggaamsoorte in die modebedryf.

Die Dolce en Gabbana Women's Fall 2012 -versameling toon baie van die kenmerke van die Italiaanse barok -argitektuur. Hierdie versameling pas perfek by die ryklik versierde kenmerke van die Siciliaanse barokstyl. Die ontwerpers het gefokus op barokargitektuur, soos gesien in die Katolieke kerke van Sicilië. Die verwysingspunt was die skildery van Rubens "Portrait of Anna of Austria". In haar koninklike portret word Anna van Oostenryk op Spaanse wyse uitgebeeld. Anna se swart rok is versier met vertikale strepe groen borduurwerk en goue besonderhede. Kunsmatig ontwerpte rokke en capes gemaak van luukse tekstiele soos kant en brokaat het die belangrikste kenmerk geword van die Dolce en Gabbana -vertoning, wat die wêreld met hul kreatiwiteit verower het.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga kan 'n ware meester genoem word wat die mode in die twintigste eeu hervorm het. Gebore in 'n klein dorpie in Spanje, het hy die essensie van die Spaanse kunsgeskiedenis in sy kontemporêre projekte gebring. Gedurende sy loopbaan was Balenciaga beïndruk deur die Spaanse Renaissance. Hy het dikwels inspirasie gesoek by die Spaanse koninklike familie en lede van die geestelikes. Die modeontwerper het die kerkvoorwerpe en kloosterklere van die era omskep in draagbare mode -meesterwerke.

Een van sy groot inspirasies was die maniere El Greco, ook bekend as Dominikos Theotokopoulos. As jy na kardinaal El Greco Fernando Niño de Guevara kyk, sien jy die ooreenkomste tussen die kardinaal se kappie en die ontwerp van Balenciaga. Die skildery beeld die Spaanse kardinaal Fernando Niño de Guevara uit die tyd van El Greco in Toledo uit. El Greco se idees is ontleen aan die neoplatonisme van die Italiaanse Renaissance, en in hierdie portret stel hy die kardinaal voor as 'n simbool van God se genade. Die maniërisme is in die hele prentjie aanwesig. Dit is opvallend in 'n langwerpige figuur met 'n klein kop, grasieuse, maar bisarre ledemate, intense kleure en 'n verwerping van klassieke afmetings en verhoudings.

Balenciaga se passie vir historiese kleding blyk duidelik uit hierdie uitspattige aandjas uit sy 1954 -versameling. Hy het die visie en die vermoë om vorms op moderne manier uit te vind. Die oordrewe kraag van hierdie jas weerspieël die sakagtige styl van 'n kardinaal se kappie. Die rooi kleur van die kardinaal se klere simboliseer bloed en sy bereidheid om vir die geloof te sterf. Die lewendige rooi word deur die beroemde ontwerper as buitengewoon beskou, omdat hy dikwels gewaagde kleurkombinasies en lewendige kleure verkies het. Sy groot vernuwing was die uitskakeling van die middellyf en die bekendstelling van vloeiende lyne, eenvoudige snitte en driekwartmoue. Deur dit te doen, het Balenciaga 'n omwenteling in vrouemode gemaak.

Die ontwerper het ook armbandlengte-moue bekendgestel waarmee vroue hul juwele kon vertoon. In die 1960's, met die geleidelike bekendstelling van vroue in die werkbedryf, het Balenciaga 'n idee gehad om troos, vryheid en funksionaliteit te gee aan die vroue wat hy aangetrek het. Hy het los, gemaklike rokke bevorder wat in kontras was met die pasgemaakte silhoeëtte van die dag.

5. Alexander McQueen

Oostenrykse kunstenaar, meester van simboliek en stigter van die Weense afskeidingsbeweging, Gustav Klimt het die grondslag gelê vir die geskiedenis van die 20ste eeuse kuns. Sy skilderye en artistieke estetika het modeontwerpers al lank geïnspireer. Ander soos Aquilano Rimondi, L'Rene Scott en Christian Dior, die ontwerper wat direk na Klimt verwys het, was Alexander McQueen. In die versameling Resort Lente / Somer 2013 het hy unieke stukke ontwerp wat blykbaar geïnspireer is deur die kunstenaar se werk. As u na 'n vloeiende swart rok kyk met 'n herhalende goue patroon bo -op, kan 'n spesifieke prentjie by u opkom. McQueen het abstrakte, meetkundige en mosaïekontwerpe in brons- en goue kleure gebruik en dit in sy ontwerpe opgeneem.

In 1905 het Gustav Klimt die skildery "The Embrace" geskilder en 'n paartjie uitgebeeld in 'n sagte omhelsing, wat 'n simbool van liefde geword het. Die Oostenrykse kunstenaar is bekend vir sy goue skilderye, sowel as die perfekte kombinasie van abstraksie en kleur wat in hierdie werke voorkom. Alle mosaïek het ryk goue kleure met kaleidoskopiese of natuurlike versierings wat 'n groot invloed op die mode gehad het. Hierdie skildery is opvallend vanweë die kontrasterende meetkundige vorms tussen die klere van die twee geliefdes. Die mansklere bestaan uit swart, wit en grys vierkante, terwyl die damesrok met ovaal sirkels en blommotiewe versier is. Klimt illustreer dus die verskil tussen manlikheid en vroulikheid meesterlik. Alexander het iets soortgelyks vir sy klere aangeneem.

6. Christian Dior

Claude Monet, stigter van die impressionisme en een van die grootste Franse skilders in die kunsgeskiedenis, het 'n groot artistieke nalatenskap agtergelaat. Deur sy huis en tuin in Giverny te gebruik vir inspirasie, het Monet die natuurlike landskap in sy skilderye vasgelê. In die besonder, in die skildery "The Artist's Garden at Giverny" het hy daarin geslaag om die natuurlike landskap volgens sy behoeftes te manipuleer. Die kontras van die bruin vuil spoor teen die lewendige kleur van die blomme vul die toneel aan. Die beroemde impressionis het dikwels die irisblom gekies vanweë sy pers kleur om die effek van 'n helder son te skep. Hierdie skildery is vol lewe terwyl blomme bloei en groet, die lente omhels. Roos- en lilablare, irisse en jasmyn is deel van 'n kleurvolle paradys wat op wit doek uitgebeeld word.

In dieselfde trant het Christian Dior, 'n pionier in die Franse mode, 'n groot stempel afgedruk op die modewêreld wat vandag nog gevoel word. In 1949 ontwerp hy 'n haute couture -versameling vir die lente / somerseisoen. Een van die hoogtepunte van hierdie uitstalling was die ikoniese Dior -rok, heeltemal geborduur met blomblare in verskillende skakerings van pienk en pers. Dior het die twee kuns- en modewêrelde perfek geïllustreer en Monet se estetika nageboots in hierdie funksionele rok. Hy het baie tyd op die platteland deurgebring en sy versamelings in sy tuin in Granville geskilder, soos Monet gedoen het. So definieer hy die elegante Dior -styl deur Monet se kleurpalet en blompatrone in sy skeppings op te neem.

7. Yves Saint Laurent

Mondrian was een van die eerste kunstenaars wat abstrakte kuns in die 20ste eeu geskep het. Hy is in 1872 in Nederland gebore en stig 'n hele kunsbeweging genaamd De Stijl. Die doel van die beweging was om kontemporêre kuns en lewe te verenig. Hierdie styl, ook bekend as neoplastiek, was 'n vorm van abstrakte kuns waarin slegs geometriese beginsels en primêre kleure soos rooi, blou en geel gekombineer is met neutrale (swart, grys en wit). Pete se innoverende styl van die vroeë 1900's het modeontwerpers genoop om hierdie suiwer tipe abstrakte kuns weer te gee. Die beste voorbeeld van hierdie skildery is komposisie met rooi, blou en geel kleure.

'N Kunsliefhebber, die Franse modeontwerper Yves Saint Laurent, het Mondrian se skilderye in sy haute couture -skeppings opgeneem. Hy was die eerste keer geïnspireer deur Pete se werk toe hy 'n boek gelees het oor die kunstenaar se lewe wat sy ma vir Kersfees vir hom gegee het. Geïnspireer deur die kunstenaar se geometriese lyne en gewaagde kleure, het hy ses cocktailrokke aangebied wat sy ikoniese styl en die jare sestig in die algemeen gevier het. Elke rok van Mondrian was effens anders, maar almal het 'n eenvoudige A-lynvorm en 'n moulose knielengte wat perfek was vir elke liggaamsvorm.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, gebore in 1890 uit 'n aristokratiese gesin in Rome, het spoedig haar liefde vir die modewêreld uitgespreek. Sy het haar revolusionêre styl begin ontwikkel, geïnspireer deur futurisme, dada en surrealisme. Namate haar loopbaan vorder, het sy interaksie gehad met beroemde surrealiste en Dadaïste soos Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp en Jean Cocteau. Sy werk selfs saam met die Spaanse kunstenaar Salvador Dali.

Een van die grootste samewerkings in die modegeskiedenis was die samewerking tussen Dali en Elsa Schiaparelli. Hierdie rok is in die somer van 1938 saam met Salvador Dali geskep as deel van Schiaparelli se sirkusversameling. Die rok verwys na die skildery van Dali, waarin hy vroue met verwronge liggaamsverhoudings uitgebeeld het.

Vir surrealistiese kunstenaars was die soeke na die ideale vrou gedoem tot mislukking, aangesien die ideaal slegs in hul verbeelding bestaan, nie in die werklikheid nie. Dit was egter nie die bedoeling van Dali om vroue realisties uit te beeld nie, daarom is hul liggame glad nie esteties nie. Schiaparelli wou eksperimenteer met hierdie spel om die liggaam weg te steek en te onthul, wat die illusie van kwesbaarheid en onveiligheid skep. Die toga met die illusie van trane is gemaak van ligblou sypie, wat hulde bring aan Salvador en sy buite verhouding vroue.

9. Gianni Versace

Die era van popkuns was waarskynlik die invloedrykste tydperk vir modeontwerpers en kunstenaars in die kunsgeskiedenis. Andy Warhol was die pionier in die mengsel van popkultuur en hoogmode, wat hom 'n ikoniese simbool van die popkunsbeweging maak. In die sestigerjare het Warhol begin met sy handtekeningstegniek, bekend as sydruk.

Een van sy vroegste en ongetwyfeld sy bekendste werke was die Marilyn Diptych. Vir hierdie stuk put hy inspirasie nie net uit die popkultuur nie, maar ook uit die kunsgeskiedenis en abstrakte ekspressionistiese kunstenaars. Andy het die twee wêrelde van Marilyn Monroe, die sosiale lewe van 'n Hollywood -ster, vasgevang en die tragiese werklikheid van Norma Jeane, 'n vrou wat met depressie en verslawing gesukkel het. Die tweeluik versterk die vibrasie aan die linkerkant, terwyl dit aan die regterkant verdwyn in duisternis en onduidelikheid. In 'n poging om 'n verbruikersgemeenskap en materialisme voor te stel, het hy individue as produkte eerder as mense uitgebeeld.

Die Italiaanse ontwerper Gianni Versace het 'n jarelange vriendskap met Andy Warhol gehad. Beide mans was gefassineer deur die populêre kultuur. Om Warhol te eer, het Versace sy 1991 -lente / somer -versameling aan hom opgedra. Een van die rokke bevat Warhol -afdrukke met Marilyn Monroe. Hy het die lewendige syportrette van Marilyn en James Dean uit die 1960's opgeneem in rompe en maxi -rokke.

En in voortsetting van die onderwerp mode, skoonheid en buitengewone idees, lees ook hoe moderne kunstenaars het make -up in 'n ware kunswerk verander.