Wie Rodin werklik "The Thinker" of "The Mourner" geskep het: die ware betekenis van beroemde kunswerke

2024 Outeur: Richard Flannagan | [email protected]. Laas verander: 2023-12-15 23:56

Almal kan maklik agterkom dat die onderwerp van hartseer baie gewild is onder kunstenaars. En dikwels weet moderne mense nie eens van die geskiedenis van die ontstaan van sommige skilderye of beeldhouwerke en die ware betekenis daarvan nie.

"Portret van Venesië Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Dit lyk asof die jong vrou rustig slaap. Toe die Vlaamse kunstenaar Anthony van Dyck in 1633 egter al die aristokratiese skoonheid van Venesië Stanley, Lady Digby, op doek probeer oordra, was hy eintlik besig om 'n portret te skilder … van 'n twee dae oue lyk wat op sy sterfbed lê.

Ontsteld van hartseer om te ontdek dat sy vrou skielik in die nag gesterf het, op 33 -jarige ouderdom, het Venesië se man, sir Kenelm Digby, Van Dyck, die hofskilder van koning Charles I, gevra om sy afgestorwe vrou te skilder voor "die chirurge en medewerkers aangekom."

Anthony van Dyck het Venice, Lady Digby in 1633 op haar sterfbed geskryf - twee dae nadat die vrou in haar slaap gesterf het

Van Dijk gaan aan die werk en ignoreer die verskriklike veranderinge wat na die dood in die menslike liggaam plaasvind. Op die bleek, bekoorlike nek van Venesië het hy 'n pêrelhalssnoer getrek en op die rand van die laken het hy roosblare gestrooi. Digby was van mening dat die skildery van Van Dyck, wat nou in die Dulwich Art Gallery in Londen is, die kroon op die kunstenaar se skepping was. Volgens hom lyk hierdie "roos" selfs op die eerste oogopslag "vervaag" en was dit veronderstel om die dood van sy vrou te simboliseer.

Ten spyte van die feit dat byna vierhonderd jaar verloop het, is daar steeds gerugte dat Digby, wat nie net 'n hofdienaar en diplomaat was nie, maar ook 'n uitvinder en alchemis, self die dood van sy vrou veroorsaak het. Sommige sê dat hy Venesië 'n mengsel van adderbloed gegee het om te drink, waarmee hy die skoonheid daarvan wou behou. Ander meen dat hy haar uit jaloesie doodgemaak het - hy het immers na bewering een keer gesê oor die berugte losbandigheid van Venesië dat ''n wyse en sterk man 'n eerlike vrou kan wees, selfs van 'n bordeelwerker'. Interessant genoeg, hoewel 'n lykskouing uitgevoer is, is die resultate daarvan nie bewaar nie.

Digby was egter verpletter deur die dood van Venesië. Hy het aan sy broer geskryf dat Van Dyck se postuum portret “die enigste konstante metgesel is wat ek nou het. Hy staan heeldag voor my stoel en tafel … en die hele nag by die bed. As die dowwe maanlig op hom val, lyk dit my asof ek haar regtig dood sien."

Met ander woorde, volgens Digby se brief, het die klein olieverfwerk van Van Dyck, wat minder as een vierkante meter groot is, 'n troos en troos geword vir die bedroefde wewenaar. As die roos in die prentjie inderdaad die 'embleem' van die verganklikheid van die lewe is, simboliseer die prentjie self die kuns van hartseer.

Benewens grafmonumente in kerke, wat hoofsaaklik ter nagedagtenis aan die oorledene geïnstalleer is, is die tema van hartseer in Westerse kuns voor die era van Van Dyck, in die Middeleeue en tydens die Renaissance in die reël slegs in godsdienstige skilderye en beeldhouwerke gewy aan die tragiese verhaal van die dood van Christus. …

Michelangelo's Pieta in die Sint -Pietersbasiliek

Die pragtige marmer pieta van Michelangelo in die Sint -Pietersbasiliek is die enigste beeldhouwerk wat hy ooit geteken het. Sy beeld die bedroefde Maagd Maria uit met die dooie Christus wat in haar skoot lê. Dit is miskien die bekendste voorbeeld, maar daar is baie ander. U kan byvoorbeeld 'n skildery uitsonder deur 'n ander kunstenaar uit die hoë renaissance en vriend van Michelangelo, Sebastiano del Piombo. Volgens kenners van die National Gallery, is die skildery (waarop del Piombo saam met Michelangelo gewerk het) "Klaaglied van die Dooie Christus" (c.1512-1516) "die eerste grootskaalse naglandskap in die geskiedenis", en die maanlig pas perfek by die somber bui.

Die Pieta van Michelangelo in die Sint -Pietersbasiliek is 'n beroemde weergawe van een van die mees algemene beelde in die Katolisisme: die maagd Maria se hartseer oor die dood van haar seun

Die tradisionele tema van rou oor Christus word natuurlik uitgebeeld deur baie bekende skrywers in die kunsgeskiedenis, van Giotto en Mantegna tot Rubens en Rembrandt. Dit is slegs 'n paar van die duisende kunstenaars wat hierdie Bybelse toneel in die een of ander vorm deur die eeue uitgebeeld het. Die kuns van rou het inderdaad so alomteenwoordig geword dat mense soms vergeet waarna hulle kyk. Die kurator van Rodin se nuwe uitstalling in die British Museum het onlangs 'n artikel gepubliseer wat daarop dui dat die beroemde Franse beeldhouwerk The Thinker in werklikheid The Mourner genoem moet word. 'Kyk mooi na die hand en ken', sê Ian Jenkins, 'n gesag oor antieke Griekse kuns. - As hierdie persoon aan iets dink, sou hy sy ken met sy hand bedek het in 'n gebaar van bedagsaamheid. Maar in hierdie beeldhouwerk ondersteun die hand die ken. En in antieke Griekeland was dit 'n gebaar van rou."

"Isle of the Dead" deur Arnold Böcklin

Olieverf op hout deur Arnold Böcklin "Isle of the Dead", 1880. Die plot is gebaseer op die antieke Griekse mitologie. Die skildery het die horrorfilm met dieselfde naam geïnspireer deur Jacques Tourneur

As u die woord "hartseer" in 'n aanlyn soekenjin van enige internasionale museum invoer, sal dit baie resultate lewer. Byvoorbeeld, in die Verenigde Koninkryk het 'n soektog na hierdie sleutelwoord op die Tate Gallery -webwerf 143 kunswerke opgelewer met die tema hartseer en lyding uit verskillende tydperke.

In die 18de eeu het kunstenaars byvoorbeeld hartseer en hartseer begin sien deur die prisma van die Shakespeare -drama. 'N Gunsteling onderwerp was die dood van koning Lear se dogter Cordelia. In die 19de eeu is die ongelooflik gedetailleerde skildery van John Everett Millais, Ophelia (1851-52), waarvoor model Elizabeth Siddal vier maande lank daagliks in die bad gestaan het, 'n beroemde en hoogs poëtiese visuele uitdrukking van hartseer. Dit beeld 'n Deense edelvrou uit Shakespeare's Hamlet uit wat hartseer geword het oor haar vermoorde pa en haarself in 'n stroom verdrink het.

Rodin's The Denker

Ian Jenkins van die British Museum meen Rodin's The Thinker moet The Mourner genoem word omdat die figuur sy ken in 'n gebalde vuis laat rus het - 'n duidelike teken dat die persoon teruggetrokke en in sy eie verdriet ondergedompel is.

Verdriet was 'n baie belangrike onderwerp vir kunstenaars gedurende die Victoriaanse era, toe 'n komplekse 'kultuur van rou' gewild was. In sy Art of Death (1991) merk die kunshistorikus Nigel Llewellyn op dat ''n indrukwekkende visuele doodskultuur' 'n kenmerk van die 19de eeu was.

"Weeping Woman" deur Picasso

In die 20ste eeu het kunstenaars die tradisie van hul Victoriaanse voorouers voortgesit om hartseer in hul werke uit te spreek. Miskien is die beste voorbeeld Picasso's Weeping Woman (1937), wat gekoppel is aan sy epiese skildery Guernica van dieselfde jaar, wat tydens die Spaanse burgeroorlog geskilder is in reaksie op die Duitse vliegtuig wat 'n Baskiese stad bombardeer. Guernica word deur baie beskou as die uiteindelike uitdrukking van die kollektiewe hartseer van die 20ste eeu. Daar is natuurlik baie voorbeelde van ander skilderye uit die 20ste eeu, waarvan die tema verband hou met hartseer. U kan byvoorbeeld 'n klein skildery van Lucian Freud onthou wat hy in 1973 deur hom geskilder het - 'n portret van sy ma, bedroef oor die dood van haar man.

"Triptych" deur Francis Bacon

Francis Bacon skilder in die linker paneel van die Triptiek (Augustus 1972) sy minnaar George Dyer, wat selfmoord gepleeg het

Francis Bacon se drieluik, wat ook vandag in die Tate te sien is, het daarin geslaag om persoonlike en openbare hartseer aan te raak. Een van Bacon se sogenaamde Black Triptychs is geskilder na die selfmoord van sy minnaar George Dyer, wie se beeld in die linkerpaneel gesien kan word. Die drieluik is dus 'n onvergeetlike en baie persoonlike getuienis van die lyding van die skilder (wat toevallig in die regter paneel uitgebeeld word).

Uiteraard het twee Wêreldoorloë in die 20ste eeu nie net 'n impak op kuns nie. Kunskritici voer aan dat die oorlog 'n diepgaande uitwerking gehad het op die manier waarop kunstenaars hartseer uitgebeeld het in vergelyking met die 19de eeu. Anders as Victoriaanse rou, waar individuele gesinne individuele hartseer ervaar het, het byna elke gesin in Europa skielik gely.

Oorlogsmonumente

Een gevolg hiervan was 'n amptelike poging van die regering om ''n geskikte visuele kultuur vir rou te skep' '. Die klassieke, allegoriese begrafnisfigure wat die Victoriaanse so liefgehad het, het uit die mode geraak. In hul plek was oorlogsgedenktekens wat die algemene nasionale opoffering beklemtoon eerder as die verlies van individue.

Die Cenotaph War Memorial naby Whitehall, Londen, ontwerp deur Edwin Lutyens, is 'n argetipe voorbeeld van hierdie nuwe benadering: In plaas van menslike figure is daar 'n leë kis wat met enige soldaat verbind kan word. Bedroefde gesinne kan dit as 'n universele simbool gebruik.

Taryn Simon het die installasie "Occupation of Loss" gemaak, waarby 21 "professionele rouklaers" van verskillende kulture bygewoon is

Die veelsydigheid van hartseer is steeds 'n tema wat deur hedendaagse kunstenaars aangespreek word. Vroeër vanjaar het die Amerikaanse fotograaf Taryn Simon goeie resensies ontvang vir haar lewendige installasie Occupation of Loss, opgevoer in 'n ondergrondse saal in Noord -Londen. Vir die werk, wat in 2016 in New York verskyn het, het Simon 21 "professionele roubeklaers" van regoor die wêreld genooi, waaronder Albanië, Azerbeidjan, Ecuador, Ghana en Venezuela. Die gehoor kon na elkeen van hierdie vroue luister.