7 meesterwerke van die Hermitage wat in 2020 die moeite werd is om te sien

2024 Outeur: Richard Flannagan | [email protected]. Laas verander: 2023-12-15 23:56

Wetenskaplikes het al lankal bewys dat kuns 'n voordelige uitwerking op die menslike gesondheid het deur angs en spanning in die liggaam te verminder. Dit geld veral vir die beeldende kunste en die bepeinsing van die mooi. Om in 2020 met 'n gunstige toestand van liggaam en gees gevul te word, is dit dus die moeite werd om die Hermitage te besoek en die bekendste uitstallings van die museum te sien.

"Apostels Petrus en Paulus" deur El Greco

El Greco is een van die helderste en oorspronklikste kunstenaars. Hy was oorspronklik Grieks en studeer skildery in Italië in die werkswinkel van die groot Titiaan. Hy het die olietegniek by sy afgod geleer en is ook geïnspireer deur die artistieke tegnieke van die Italiaanse maniërisme. El Greco het onder sy kollegas opgemerk vir die oorspronklikheid van die dramaties ekspressiewe styl. In sy portrette het hy baie aandag gegee aan sielkundige karakterisering. In hierdie skildery van die Hermitage verteenwoordig die kunstenaar twee verskillende soorte mense. Links is die apostel Petrus, wat die bestaan van Christus drie keer ontken het. Sy gesig dra hartseer en onsekerheid oor, terwyl sy gebare met bekering en smeking getint word. Die apostel Paulus, wat, soos u weet, oorspronklik 'n ywerige vervolger van Christene was, toon op die foto geestelike ywer om die waarheid te bevestig. Die handgebare wat die samestellende middelpunt van die werk vorm, spreek 'n dialoog uit wat die twee apostels verenig.

Die gryshaar Peter, toegedraai in 'n goue kleed, kantel sy kop opsy. In sy linkerhand hou hy sy simbool - die sleutel tot die koninkryk van die hemele. Pavel druk sy linkerhand stewig na die oop volume op die tafel, sy regterhand styg in 'n gebaar van opheldering as hy direk na die kyker kyk. Sint Petrus en Paulus verskyn talle kere in die werk van El Greco, en hulle word met opvallende konsekwentheid uitgebeeld. Die kunstenaar wys altyd vir Petra met grys hare en baard, en hy dra gereeld 'n geel mantel oor 'n blou tuniek. Paul is altyd effens kaal, met donker hare en 'n baard, in 'n rooi kleed oor blou of groen klere.

"Boetvaardige Maria Magdalena" deur Titian

Die boetvaardige Maria Magdalena is 'n portret van die heilige Maria Magdalena Titiaan uit ongeveer 1531, met die handtekening 'TITIANUS' aan die vaartuig aan die linkerkant. Volgens die plot is dit 'n vrou met 'n ontbinde verlede, wat volgens die Evangelie (Lukas 7, 36-50) na die huis van Simon die Fariseër gekom het om Jesus om vergifnis te vra. Dit is 'n vroulike figuur wat deur Titian uitgebeeld word met dik, gekonsentreerde strepe en warm kleure. Die palet beklemtoon ongelooflike oë wat deurdrenk is in kristaltrane. Die koperblonde hare wat die figuur bedek, is ongelooflik geskryf. Die tema van die berouvolle Maria Magdalena, wat haar oë na die hemel opslaan, het in die 16de eeu groot gewildheid in Italië onder aristokrate, godsdienstige leiers en die welgestelde middelklas gekry. Die gebrek aan klere simboliseer die weiering van die Magdalena om juweliersware, goud en wêreldse stokperdjies te gebruik ter wille van die geloof in Christus. Boonop voldoen die goue hare en die algehele figuur van die Magdalena aan die standaarde van skoonheid van die Renaissance.

"Madonna Litta" deur Leonardo da Vinci

Die skildery het sy naam gekry van die Milanese adellike familie, in wie se versameling dit die grootste deel van die 19de eeu gevind is. In 1865 het die Russiese tsaar Alexander II die doek vir die Hermitage gekoop, waar dit tot vandag toe vertoon word. Hierdie werk beeld die Madonna uit wat die Christuskind borsvoed. Let op die afwesigheid van spook in hierdie prentjie. 'N Aantal Leonardo se doeke toon dieselfde kenmerk. Die figure is in 'n donker binnekant met twee boogopeninge wat 'n uitsig op die bergagtige landskap toon. 'N Interessante detail: in die middel van die prentjie, in die linkerhand van Christus, is daar 'n goudvink, wat 'n simbool is van die passie van Christus.

Die gevoel van die vreugde van moederskap in die skildery "Madonna Litta" word veral verruklik uitgebeeld danksy die rykdom van die beeld van Maria - hier vind dit die volwasse uitdrukking van Leonardo se vroulike skoonheid. Die sagte, pragtige gesig van die Madonna gee 'n besondere spiritualiteit aan half-toe oë en 'n effense glimlag. Die komposisie van die skildery is opvallend in sy opvallende duidelikheid en perfeksie. Die Madonna and Child was 'n algemene motief in Christelike kuns gedurende die Middeleeue en het tot in die Renaissance voortgeduur.

"Luitspeler" Caravaggio

Die skildery is in opdrag van kardinaal Francesco del Monte, wat die kunstenaar beskerm het. Caravaggio het 'n jong man gefassineer deur musiek uitgebeeld: sy blik is vol inspirasie, sy vingers klou aan die snare. Die figuur van 'n jong man in 'n wit hemp val duidelik teen 'n donker agtergrond uit. Harde sybeligting en vallende skaduwees gee voorwerpe 'n byna waarneembare volume en gewig. Die voorwerpe wat op die foto geplaas word, getuig van die kunstenaar se groot liefde vir die wêreld om hom, sy begeerte om die natuur eerlik weer te gee, om die materiële kwaliteit van elke detail oor te dra. Op die notaboek wat voor die held met 'n luit lê, is die aantekeninge van die gewilde madrigal in die 16de eeu "You know that I love you" geskryf.

Liefde as tema van hierdie werk word ook deur ander voorwerpe aangedui. Die gebarste luit was byvoorbeeld 'n metafoor vir liefde wat misluk. Aan die begin van kreatiwiteit het Caravaggio jongmense dikwels vroulike kenmerke gegee, wat egter tipies was vir die Italiaanse kuns van die laat 16de eeu. Dit is interessant dat die musikant uit die skildery uit die Hermitage dikwels 'n meisie was, en die komposisie 'The Lute Player' genoem is.

"The Lady in Blue" Thomas Gainsborough

Een van die beste werke van die kunstenaar - "The Lady in Blue" - is geskep deur Gainsborough in die fleur van sy kreatiewe kragte. Die figuur van 'n jong vrou in 'n oop rok van deursigtige wit stof val saggies op teen 'n donker agtergrond. Haar poeieragtige hare is gevorm in 'n eienaardige haarstyl. Groot krulle val oor skuins skouers. Die varsheid van die jeugdige gesig word beklemtoon deur half oop lippe en amandelvormige donker oë. Met 'n ligte beweging van haar regterhand hou sy die blou sy serp vas. Grys, blou, pienk en wit toon word hier en daar versterk met helder strepe en help om die elegansie en skoonheid van die model oor te dra.

Die vrymoedigheid van Gainsborough se prenttegnieke het sy tydgenote verbaas. Reynolds het dus 'vreemde kolle en kenmerke' opgemerk in die skilderye van Gainsborough, 'wat waarskynlik die gevolg is van toeval as 'n bewuste bedoeling.' Dit is hierdie nie-akademiese tradisie wat een van Gainsborough se grootste prestasies is. "The Lady in Blue" het die Hermitage in 1916 binnegekom uit die versameling A. 3. Khitrovo per testament.

Die terugkeer van die verlore seun deur Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Hierdie meesterstuk van Bybelse kuns bevestig weereens Rembrandt se status as een van die beste skilders van alle tye en die grootste van alle ou meesters in die uitbeelding van Bybeltonele. Die skildery The Return of the Prodigal Son, voltooi deur die kunstenaar in die laaste jare van sy lewe, beeld 'n toneel uit die gelykenis van Lukas 15: 11–32 uit. Volgens die uitstaande kunskritikus Kenneth Clarke is die doek een van die grootste skilderye van alle tye. Volgens die plot lê die vader, net soos die aartsvader, sy hande op die skouers van 'n geskeerde boetman en geklee in verslete klere. Sy oë is amper toe. Die daad van vergifnis word 'n seën van 'n byna sakramentele sakrament.

Dit is 'n prentjie met die grootste spiritualiteit, vry van alle anekdotiese aspekte, waarin alle bewegings en aksies tot stilstand gekom het. Die toneel duik in die duisternis, soos 'n tonnel, waaruit die gesigte van die vader en sy oudste seun blink. Hul rooi gewade gee hierdie duisternis 'n gloed. Rembrandt het herhaaldelik oor die tema van die verlore seun geskilder, maar in hierdie monumentale olie -weergawe het hy sy opwindendste en - danksy die kontras van die oudste en die jonger (verlore) seun - die sielkundig moeilikste formulering bereik.

"Dans" deur Henri Matisse

"Dans" is een van die bekendste werke van Henri Matisse - 'n ode aan lewe, vreugde, fisiese verwerping en 'n simbool van kontemporêre kuns. Die stuk is in 1909 deur die invloedryke Russiese versamelaar Sergei Shchukin in opdrag gegee om sy huis te versier. Hierdie artistieke orgie word gekenmerk deur sy eenvoud en energie en het 'n onuitwisbare merk op die kuns van die 20ste eeu gelaat. Die dans is geskryf op die hoogtepunt van die Fauvistiese estetika en vergestalt die emansipasie van tradisionele Westerse artistieke tradisies. Die estetiese keuse van Henri Matisse vir hierdie skildery het in 1910 'n groot skandaal in kunssalonne veroorsaak. Gewaagde naaktheid en growwe skakerings het die prentjie 'n buitengewone karakter vir daardie tyd gegee, wat in die oë van sommige kykers barbaars gelyk het.

Matisse het slegs drie kleure gebruik om hierdie dans uit te beeld: blou, groen en rooi. In ooreenstemming met tradisionele Fauvist -kleurassosiasies, skep hierdie drie skakerings intense kontras. Matisse se doel was egter nie om die gehoor te skok nie. Inteendeel, hy het probeer om mense met mekaar en met die natuur te verenig. Soos die kunstenaar gesê het, "waarvan ek droom, is 'n gebalanseerde, skoon en kalm kuns wat probleme of teleurstelling kan voorkom."