Hoe skilderye deur bekende kunstenaars deel geword het van die mode, wat 'n nuwe styl van die twintigste eeu gevorm het

2024 Outeur: Richard Flannagan | [email protected]. Laas verander: 2023-12-15 23:56

Die skakels tussen kuns en mode definieer spesifieke oomblikke in die geskiedenis. Beide hierdie mediums weerspieël sosiale, ekonomiese en politieke veranderinge van die brullende twintigerjare tot die lewendige tagtigerjare. Hier is vier voorbeelde van kunstenaars en modeontwerpers wat deur hul werk gehelp het om 'n nuwe perspektief op kuns en mode van die 20ste eeu te vorm.

1. Halston & Warhol: Fashion Brotherhood

Die vriendskap tussen Roy Halston en Andy Warhol het die artistieke wêreld bepaal. Beide Roy en Andy was leiers wat die weg gebaan het om van die kunstenaar / ontwerper 'n beroemdheid te maak. Hulle het die pretensieuse stigma van die kunswêreld verwyder en mode en styl na die massas gebring. Warhol het verskeie kere seefdrukwerk gebruik om die beelde te maak. Alhoewel hy beslis nie die proses uitgevind het nie, het hy 'n revolusie in die idee van massaproduksie gemaak.

Roy gebruik weefsels en patrone wat eenvoudig en elegant, maar tog glansryk was, met sy gebruik van paillette, ultrasone en sy. Hy was een van die eerstes wat Amerikaanse mode toeganklik en wenslik gemaak het. Albei het hul finale merk op kuns en styl deur die 1960's, 70's en 80's gelaat, wat tot vandag toe voortduur.

Beide Roy en Andy werk saam aan baie verskillende projekte. Warhol het advertensieveldtogte gemaak met Halston se klere en selfs Halston self. Op sy beurt gebruik Halston die blommedruk van Warhol in sommige van sy klereversamelings, van aandrokke tot ontspanningstelle.

Roy het eenvoudige patrone in sy klere gebruik, wat dit baie suksesvol gemaak het. Hulle was gemaklik om te dra, maar het ook 'n tikkie luukse te danke aan die materiaal, kleure en afdrukke. Warhol het ook sy materiaal en proses vereenvoudig. Dit het dit makliker gemaak om sy werk weer te gee en dit verkoopbaarder te maak.

Kommersiële sukses het vir beide kunstenaars sy eie uitdagings gehad. Halston was die eerste wat in 1982 met die kleinhandelketting JCPenney saamgewerk het, en dit het die kwaliteit van sy handelsmerk beïnvloed. Warhol het ook kritiek gekry omdat sy werk as oppervlakkig beskou is. Albei het egter hul kleinhandel- en bemarkingsgebruik in hul onderskeie ruimtes gemoderniseer om handelsmerke vir massamarkverkope te skep.

Roy en Andy was gereelde besoekers aan Studio 54. Hulle het partytjies gehou, werke ontwerp en vervaardig vir bekendes soos Liza Minnelli, Bianca Jagger en Elizabeth Taylor. Dit alles word weerspieël in hul werk terwyl hulle die disco -era van die sewentigerjare geïnspireer en gedefinieer het.

Halston was bekend daarvoor dat hy glinsterende aanddrag gemaak het. Roy het die paillette horisontaal op die stof gelê en 'n glansende effek van die materiaal wat hy gebruik het om luukse uitrustings te skep wat baie glansryke dames liefhet, geskep.

Die Warhol Diamond Dust Shoe -reeks illustreer ook die naglewe van Studio 54 en die bekendes wat daar woon. Diamantstof is wat hy oor sjablone of skilderye gebruik het, wat 'n ekstra diepte -element vir die stuk skep. En sy skoene was oorspronklik die idee vir Halston se advertensieveldtog. Hierdie twee het in elk geval 'n groot bydrae tot die mode gelewer en 'n onuitwisbare merk agtergelaat. Selfs vandag nog word baie moderne ontwerpers geïnspireer deur die idees van Andy en Roy, wat wonderlike versamelings skep met eggo's van die verlede.

2. Sonia Delaunay: As kuns mode word

Sonia Delaunay het nie net 'n rewolusie in 'n nuwe vorm van kubisme gemaak nie, maar het ook die verband tussen kuns en mode bekendgestel. Beide Delaunay en haar man was baanbrekers van Orphism en eksperimenteer met verskillende vorme van abstraksie in kuns. Sy was die eerste in haar soort wat haar eie artistieke styl gebruik het en met die oorspronklike tekstielontwerpe, afdrukke of patrone die modewêreld betree het. Sy word meer onthou vir haar kuns en verbintenis met haar man as vir haar mode. Haar styl speel 'n groot rol in die 1920's, en haar kledingkatalogus word meer onthou vir foto's en verwysings na haar kuns as die kledingstukke self. Vir Sonya was en is daar geen grens tussen kuns en mode nie. Vir haar is dit een en dieselfde.

Sy begin haar mode -onderneming in die 1920's, met die skep van klere vir kliënte en die ontwerp van materiaal vir vervaardigers. Sonya noem haar etiket Simultaneous en gaan nog verder met die gebruik van kleur en patroon oor verskillende onderwerpe. Gelyktydigheid speel 'n belangrike rol in haar werk, en haar ongewone tegniek herinner aan 'n lappieskombers of tekstiele uit Oos -Europa: kleure is op mekaar gelê en patrone is gebruik om harmonie en ritme te skep. Haar algemene temas sluit in vierkante / reghoeke, driehoeke en diagonale lyne of sfere - wat almal in haar verskillende ontwerpe oorvleuel.

Delaunay was 'n jong vrou tydens die Edwardiaanse era, toe korsette en ooreenstemming die norm was. Dit het in die 1920's verander toe vroue rompe bo die knie en los, pasgemaakte klere begin dra het. Hierdie aspek kan gesien word in die ontwerpe van Delaunay en sy was passievol daaroor om klere te skep wat by die behoeftes van vroue pas. Sonya het swemdrag ontwikkel wat vroue in staat gestel het om gemakliker te voel, selfs as hulle aan sport deelneem en swem. Sy het haar afdrukke op jasse, skoene, hoede en selfs motors gesit, met enige oppervlak as doek. Haar ontwerpe het bewegings- en uitdrukkingsvryheid geskep deur kleur en vorm.

Gedurende haar loopbaan het sy haar voortdurend in iets nuuts probeer, en gevolglik na bioskoop en teater verhuis. Sonia het die kostuums ontwerp vir Rene Le Somptier se The Little Parisian, terwyl haar man die stel vir die film gemaak het. Sy was dol op geometriese vorms, kombineer en meng dit behoorlik met mekaar, en skep bisarre patrone en stukkende lyne wat haar kenmerk geword het.

3. Samewerking tussen Elsa Schiaparelli en Salvador Dali

Die avant-garde van surrealistiese kuns word gekombineer met die leier van surrealistiese mode. Salvador Dali en modeontwerper Elsa Schiaparelli het gedurende hul loopbane saamgewerk en mekaar geïnspireer. Hulle het ikoniese voorkoms geskep, soos kreefrok, die skoenhoed en die skeurrok, wat die publiek geskok en geïnspireer het in kuns en mode. Dali en Schiaparelli het die weg gebaan vir toekomstige samewerking tussen modeontwerpers en kunstenaars, wat die gaping oorbrug tussen wat as draagbare kuns en mode beskou word. Dali het kreef as 'n herhalende tema in sy werk gebruik en was geïnteresseerd in hul anatomie.

Dress "Omar" is 'n gesamentlike werk van Elsa en Dali, en die skepping daarvan veroorsaak nie net baie opspraak op die debuutdag nie, maar ook daarna. Eerstens het dit 'n blote lyfie en 'n wit organza -romp. Die ongewone uitrusting het die modewêreld letterlik opgeblaas en baie kontroversie oor hierdie telling veroorsaak. Die gebruik van wit lap kontrasteer ook met die rooi kleur van die kreef. Wit kan as maagd beskou word of suiwerheid simboliseer in vergelyking met rooi, wat ontspanning, krag of gevaar kan beteken.

Skelette is 'n ander tema wat in surrealistiese kuns voorkom en is gebruik in meer samewerkings tussen Dali en Schiaparelli. Die Skeleton -rok was die eerste in sy soort. Elsa gebruik 'n tegniek genaamd trapunto, waar twee lae stof aanmekaar vasgewerk word, wat 'n buitelyn skep waar die kolfblad ingevoeg word en sodoende 'n verhoogde effek skep. Hierdie tegniek skep 'n gestruktureerde oppervlak op 'n plat stof, wat die illusie gee dat menslike bene deur die rok steek. Dit het 'n skandaal veroorsaak omdat die rok gemaak was van 'n elastiese materiaal wat aan die vel geheg het. Die fantasieë van Dali se skilderye en tekeninge is beliggaam in die onwerklike wêreld van Schiaparelli se uitrustings, wat tot vandag toe 'n onuitwisbare indruk op kykers en ontwerpers maak.

4. Yves Saint Laurent: The Clash of Art and Inspiration

Waar is die grens tussen nabootsing en waardering? Kritici, gehore, kunstenaars en ontwerpers het gesukkel om vas te stel waar hierdie lyn loop. Wat Yves Saint Laurent betref, was sy bedoelings egter niks anders as vleiery en bewondering vir die kunstenaars en skilderye wat hy as inspirasie gebruik het nie. As hy na sy uitgebreide portefeulje kyk, is Saint Laurent geïnspireer deur kulture en kuns van regoor die wêreld, wat hy suksesvol in sy klere opgeneem het.

Alhoewel Yves nooit die kunstenaars ontmoet het wat hom geïnspireer het nie, het dit hom nie daarvan weerhou om kunswerke te skep as 'n teken van respek vir hulle nie. Laurent put inspirasie uit kunstenaars soos Matisse, Mondrian, Van Gogh, Georges Braque en Picasso. Hy was 'n kunsversamelaar en het skilderye van Picasso en Matisse versamel wat hy in sy huis gehang het.

Yves het 'n paar van die kunsmotiewe geneem en dit in pragtige klere verander wat hulde bring aan sommige van sy gunsteling kunstenaars. Die 1960's was 'n tyd van revolusie en kommersialisme, 'n nuwe era van mode en kuns. Die projekte van Saint Laurent het kommersiële sukses behaal toe hy inspirasie begin put het uit popkuns en abstraksie. In 1965 het hy ses en twintig rokke geskep wat geïnspireer is deur abstrakte skilderye van Piet Mondrian. Die rokke verbeeld Mondrian se gebruik van simplistiese vorms en gewaagde primêre kleure. Yves het 'n tegniek gebruik waarin geen nate tussen die stoflae sigbaar was nie, wat die indruk wek dat die klere een geheel was. Saint Laurent het Mondrian se kuns uit die 1920's geneem en dit draagbaar gemaak in vergelyking met die 1960's.

Mode -rokke is klassieke voorbeelde van die 1960's -styl. Dit was soortgelyk aan klere uit die twintigerjare wat minder beperk was en moue en soomlyne gehad het wat groot vlekke blootgestel het. Die vierkantige silhoeëtte van Saint Laurent het vroue lig en vry laat voel. Dit het hom ook geïnspireer deur popkunstenaars soos Tom Wesselman en Andy Warhol. Hy het 'n reeks popkuns -geïnspireerde ontwerpe gemaak met silhoeëtte en uitknipsels op sy klere. Dit het gegaan oor die oorkom van die beperkings van abstraksie in kuns en die kommersialisering van ontwerp. Laurent het hierdie twee idees saamgevoeg om klere te skep vir vroue wat gratis en aantreklik is vir moderne dames.

Saint Laurent se Vincent Van Gogh -baadjies is 'n voorbeeld van hoe Yves kunstenaarsinspirasie met sy eie ontwerptalente gekombineer het. Net soos sy ander kledingstukke, is kunstenaarsverwante temas nie gekopieer en op Saint Laurent se klere geplak nie. In plaas daarvan het hy gekies om dit as 'n bron van inspirasie te gebruik en stukke te skep wat sy eie styl weerspieël. Die baadjie is 'n voorbeeld van die styl van die 80's, wat geborduur is met sonneblomme in die skilderagtige styl van Van Gogh.

Laurent werk saam met Maison Lesage, 'n leier in borduurwerk in haute couture. Die baadjie "Sunflowers" is geborduur met buisvormige krale. Die blomme is gevul met verskillende skakerings van oranje en geel vonkels. Dit skep 'n multidimensionele tekstuur soortgelyk aan Van Gogh se tegniek om dik verf op doek aan te bring. Na raming is dit een van die duurste haute couture -items wat byna vierhonderdduisend euro by Christie's gemaak en verkoop is. Saint Laurent het die weg gebaan vir die dra van klere as 'n kunswerk op sigself, ongeag die mode en tydsperiode.

Lees die artikel verder oor die onderwerp wat Saeko Yamaguchi tot sukses gelei het, wat haar een van die mees geliefde muise van Kenzo en Yamamoto gemaak het.