Bekende rokke in die skildery, waarmee u kan oordeel wat die mode van die era was

2024 Outeur: Richard Flannagan | [email protected]. Laas verander: 2023-12-15 23:56

Van die vroegste tye af het kuns en mode mekaar beïnvloed, wat kritici en fashionistas genoop het om nuwe neigings vinnig te volg om mekaar vinnig te vervang. En terwyl sommige die prent aan die hand van tegniese eienskappe beoordeel het, het ander na die kleermakers gehardloop om binnekort 'n rok te kry presies soos dié van die heldinne wat op die doeke uitgebeeld word.

1. Renaissance

Die Renaissance was 'n tyd van kulturele en artistieke herlewing, aangesien klassisisme 'n revolusionêre terugkeer na Europese samelewings gemaak het. Hierdie tydperk het egter ook beduidende veranderinge in die mode beleef. Kyk hoe bekende rokke in skilderye die mode tydens die Renaissance beïnvloed het.

"Portret van die Arnolfini -egpaar" deur Jan van Eyck is een van die belangrikste elemente van die studie van stof in portretskildery. Die vrou se smaraggroen wolkledingstuk en moue met voering met hermelien toon gesinsstatus, aangesien slegs die rykes hierdie soort stof kan bekostig. Wol, sy, fluweel en pels was skaars en duurder om te vervaardig as katoen of linne, en was 'n simbool van status en rykdom. Een van die mees omstrede vrae rondom die skildery is of die vrou wat uitgebeeld word (vermoedelik die vrou van Arnolfini) swanger is. Renaissance -rompe was so welig en swaar dat vroue dit opgehef het om dit makliker te maak om te beweeg.

Die ekstra krom voue van die rok toon ook 'n neiging om vroue met 'n uitgesproke maag uit te beeld, aangesien dit dui op die verwekking van kinders tydens die huwelik. 'N Ander voorbeeld hiervan is Les Très Riches Heures du Duc de Berry deur die Limburg -broers. In albei beelde word vroue met meer afgeronde mae uitgebeeld. The Magnificent Book of Hours of the Duke of Berry beeld 'n troue uit, en dit is vergelykbaar met die portret van Arnolfini, aangesien beide vroue 'n beeld van moederskap uitbeeld in afwagting van swangerskap. Sonder om die skildery vanuit 'n moderne perspektief te bekyk, kan u dit sien as 'n verslag van wat die vroue gedra het en wat belangrik was vir mense om aan ander te wys.

2. Die Barok- en Rokoko -tydperke

Die Barok- en Rococo -tydperke word gekenmerk deur 'n uitstekende dekor, dekadensie en speelsheid. Hierdie neigings manifesteer nie net in kuns nie, maar ook in die mode deur ingewikkelde ornamente en luukse rokke. Kyk na 'n paar van die beroemde kuns-geïnspireerde rokke.

Elizabeth Clark Frick (mev. John Frick) en Little Mary, 'n onbekende kunstenaar se aandag aan detail en kleredrag, maak 'n belangrike rekord van New England Puritans. In hierdie voorkoms dra Elizabeth fyn Amerikaanse weefsels en bykomstighede uit die 1600's. Haar wit kantkraag dui op die gewilde Europese kant wat onder aristokratiese vroue voorkom. 'N Goud geborduurde fluweel onderrok is onder haar rok sigbaar, en lintjies versier die moue. 'N Vrou het ook juweliersware: 'n pêrelhalssnoer, 'n goue ring en 'n granaatarmband, wat op sy beurt spreek van status en voorspoed. Hierdie skildery bied 'n unieke perspektief op die puriteinse lewe van Elizabeth en haar gesin.

Dit is ook opmerklik dat die kunstenaar meesterlik daarin geslaag het om afbeeldings van rykdom in 'n beskeie omgewing te meng. Die skildery toon Elizabeth se rykdom duidelik aan en beklemtoon haar beste klere en juweliersware. Dit weerspieël ook die rykdom van haar man, John Frick, wat dit kon bekostig om elke vrou se grille te vervul deur vir haar verskillende soorte uitrustings en juweliersware te koop. Daarbenewens simboliseer die prentjie hul puriteinse dankbaarheid teenoor God, want sonder Sy seën sou hulle nie so 'n luukse kon gehad het nie.

The Swing deur Jean-Honore Fragonard is 'n voorbeeld van die Rococo-styl in Franse aristokratiese kringe. Die skildery is privaat gemaak toe 'n Franse hofdienaar die kunstenaar gevra het om sy eie portret en die van sy minnares te skilder. Ondanks die feit dat die skildery agter geslote deure gehou is, onthul dit die luukse, ligsinnigheid en geheime aard van die Franse koninklike hof.

Die pastelpienk rok val uit in die welige tuin en is die middelpunt van die aandag. Jean het die rok met los kwasstrepe geverf wat die wye rompe en geplooide lyf van haar rok naboots. Sy los kwas pas by die plot van hierdie idilliese tuintoneel gevul met flirterige en grillerige beelde.

Sy skildery toon ook die neigings in die Franse hof vir mode. Rococo het mode, kuns en argitektuur oortref om iets uniek Frans te skep. Rococo-mode bevat die mees luukse materiale, insluitend sye in pastelkleur, fluweel, kant- en blompatrone, sowel as 'n groot hoeveelheid boë, juwele, fieterjasies en sierversierings om 'n voorkoms te skep waarop hofdienaars en gaste sou krul. het hul koppe. Styl het die verskil tussen die armes en die rykes gedefinieer, aangesien die aristokrasie die luukse van pragtige weefsels en ornamente kon bekostig. Vir vroue wat hierdie rokoko-geïnspireerde uitrustings dra, is die skildery die toonbeeld van die Franse koninklike hof voor die revolusie.

3. Bekende rokke in die skilderye van die XIX eeu

In die 19de eeu was daar 'n artistieke verskuiwing van neoklassisisme na vroeë modernisme, wat plek maak vir style en denkrigtings. Hierdie eeu het ook 'n verandering in die mode beleef. Lees verder om te sien hoe die skilderye die opkoms van beroemde rokke en style beïnvloed het wat merkbaar moderner was as voorheen.

Art for Art het verband gehou met Symphony in White No. 1 deur James Abbott McNeill Whistler, wat die skildery 'n geestelike betekenis wou gee. Kritici het dit egter nie gesien nie, aangesien die skildery die meesteres van die kunstenaar uitgebeeld het, geklee in 'n ligte wit rok. As gevolg hiervan het hierdie portret skandalig geword. Gedurende die 1800's het damesklere dikwels 'n crinoline -onderrok van staal ingesluit. Vroue het ook korsette gedra tussen 'n verskeidenheid ander onderklere -items om breër rompe te kan skep.

"Die vrou in wit" is die teenoorgestelde van wat destyds modieus en opvallend was. Die rok van die hoofkarakter wat op die foto uitgebeeld word, was 'n soort onderklere wat 'n man of 'n geliefde kon sien, aangesien daar geglo word dat sulke klere baie maklik is om uit te trek. Vir Whistler sou sy muse deel wees van 'n toneel wat vir die oog aangenaam was. Hy het Hiffernan uitgebeeld soos hy haar gesien het, en die kykers was destyds verwarrend en effens onwelvoeglik. Met die koms van 1900 het so 'n rok egter die norm geword vir daaglikse drag.

James Tissot het in die laat 1800's baie skilderye gemaak wat vrouemode uitbeeld. Hy was die Europese mode voor en is bekend daarvoor dat hy sy onderwerpe geskilder het met die nuutste modeneigings in gedagte. Damesmode het aan die einde van die 1800's onder jong dames in Parys en Londen begin verander. Die wye en swaar rompe van hul Victoriaanse voorgangers is vervang deur smaller kinders met opgeblase plooie in die rug.

In die skildery "Miss Lloyd" is die heldin geklee in 'n rok soos dit destyds in die samelewing gedra is, met die klem op die smal middellyf en uurglasfiguur. "Portret van Kathleen Newton" (sy destydse metgesel) is die teenoorgestelde van die beeld van juffrou Lloyd. Die kunstenaar beeld 'n vrou in 'n rok uit asof sy moegheid en verleiding uitstraal. Beide vroue het egter hul eie besondere sjarme en raaisel rondom hulle. Die rok self simboliseer die verskille in die destydse populêre kultuur. Die een beeld is tradisioneel en konvensioneel, terwyl die ander eerlik intiem en skandalig is vir kykers in die 1800's.

John Singer Sargent het die beeld van 'n vrou geskep, wat, hoewel onaanvaarbaar vir sy tyd, een van sy mees herkenbare en eerbiedige skilderye geword het. Dit is 'n portret van Madame Virginie Gautreau, 'n Amerikaanse skoonheid gemeng met die Franse hoë samelewing. Dit het so 'n skandaal veroorsaak dat John self Parys na Londen moes verlaat.

Haar korset is uiters na die onderbuik gerig. 'N Skerp, diep v-nek en kralewerk-skouerbande bedek skaars die skouers en ontbloot wat as intieme dele van 'n vrou beskou is, wat onvanpas was vir openbare vertoning. Nadat Sargent die skildery in die Paryse salon van 1884 aangebied het, het dit kritiek en toeskouers ontstel omdat dit nie gepas is dat 'n getroude vrou uit die hoër klas in so 'n uitdagende vorm verkeer nie. Dit lyk vir die gehoor in die salon dat die heldin van die foto onderklere dra, nie 'n rok nie. En die reputasie van Gautreau in die oë van mense het tot nul begin daal, omdat baie haar as 'n onwelvoeglike persoon beskou het. Uiteindelik het Sargent haar naam uit die portret verwyder en dit 'Madame X' hernoem.

4. Bekende rokke in die skilderye van die twintigste eeu

Kuns in die twintigste eeu het gefokus op abstraksie en uitdrukking, en het belangrike veranderinge ondergaan met nuwe style en temas. Dit het ook gelei tot die verkenning van nuwe vorme en sinteses van mode en kuns. Hier word die beroemde rokke wat in die twintigste eeu in skilderye verskyn het, aangetoon.

Adele Bloch-Bauer se goue rok val op uit die res van die hoë samelewingskleed van haar tyd. In plaas van om 'n vrou uit die boonste klas uit te beeld wat in 'n tuin ontspan of op 'n rusbank lees, verander Klimt Adele in 'n ander wêreldse figuur. Haar rok is 'n wervelende figuur gevul met driehoeke, oë, reghoeke en ikonografie. Daar is geen tekens van reguit korsette of lae klere nie. Modern bevat temas van die natuur en mitiese beelde. Dit geld ook boheemse mode, wat Gustav self gedra en in verskillende ander skilderye gebruik het.

Hy het dikwels tekeninge geskep wat deur die modeontwerper Emily Flege geskep is. Sy is nie so bekend in die modewêreld as haar tydgenote of voorgangers nie, maar sy het goed gevaar om mode vir die vroue van haar tyd te skep. Soms was dit 'n samewerking, want Gustav gebruik haar beroemde rokke in baie van sy ander skilderye.

Tamara Lempicka het portrette geskep wat vroulikheid en onafhanklikheid in die 1920's ondersoek het. Die Art Deco -kunstenaar het bekend geword vir haar portrette van bekendes wat die gestileerde en gepoleerde vorm van kubisme ondersoek het wat haar handelsmerk geword het. Ira Perrault ('n goeie vriend en waarskynlik 'n minnares van Lempicki) word beskou as 'n letterlike manifestasie van die musiek in La Musicienne. Wat die prentjie laat opval, is die uitbeelding van 'n blou rok. Tamara se harde skaduwee -giettegniek met haar ryk kleurpalet gee beweging aan die rok sodat dit lyk asof dit in die lug sweef. Die kort soom van die rok en die vloeiende plooie herinner nog steeds aan die mode uit die twintigerjare wat 'n keerpunt in die mode van vroue was. Vroue het rokke gedra wat hul bene en arms blootgestel het, en geplooide rompe wat dit makliker gemaak het om te dans.

Tamara is deur Renaissance -meesters geïnspireer en bestudeer en het soortgelyke temas met 'n moderne benadering gebruik. Tradisioneel kan blou op die rokke van die Maagd Maria in middeleeuse of Renaissance -skilderye gesien word. Ultramarienblou was skaars en is gebruik vir belangrike skilderye.

Kleurvolle en handgemaakte Mexikaanse weefsels word verweef in die werk van Frida Kahlo. Sy omhels hierdie kledingstukke as deel van haar nalatenskap en dra dit in talle selfportrette en foto's. Die beroemde rokke in The Two Fridas simboliseer haar bande met beide kante van haar Europese en Mexikaanse erfenis.

Frida aan die linkerkant weerspieël haar opvoeding in 'n hoër middelklasgesin. Haar pa was oorspronklik van Duitsland, en die huislike lewe as kind het Westerse gebruike bevat. Die wit kant van die rok simboliseer die styl wat gewild is in Europese mode. Hierdie verwesterde weergawe kontrasteer met die regse Frida se begeerte om haar Mexikaanse erfenis te omhels deur 'n tradisionele rok te dra. Hierdie klere is iets wat haar man Diego Rivera aangemoedig het, veral in hul stryd om hul land te verander. Die rok toon haar trots om plaaslike en tradisionele klere uit Mexiko te dra.

Kahlo se klere is 'n belangrike aspek van haar lewe en werk. Nadat sy as kind polio opgedoen het en die een been korter as die ander been geword het, het kleurvolle rompe 'n manier geword om haar been weg te steek sodat sy haar nie kon ondersoek nie. Die klerekas van die kunstenaar bevat tehuana -rokke, huipil -bloese, rebozo, blommetjieshoofde en antieke juweliersware. Hierdie kledingstukke vir Kahlo is 'n illustrasie van haar liefde, pyn en lyding, wat sy by haar werk ingesluit het.

Oor, hoe die kimono deur die eeue verander het en watter rol dit in kuns en moderne mode gespeel het, lees die volgende artikel.